jueves, 28 de mayo de 2009

Te recuerdo Victor Jara

El martes de esta semana, en el diario de noticias Publico, leí una noticia que decía que habían sido detenidos los asesinos del artista chileno Víctor Jara. Fue asesinado en el Estadio de Chile en Santiago, utilizado por el ejercito golpista de Pinochet para torturar y asesinar a cientos de ciudadanos, el 16 de septiembre de 1973. Finalmente tras casi 36 años se ha hecho justicia. Cabe destacar que fueron dos soldados de reemplazo de 18 años los autores materiales de la ejecución. Achacarles solamente a ellos la muerte del activista chileno sería un error, aunque es un signo de sanidad democrática por parte de la justicia chilena.
Hace unos diez años, me compré la biografía de Víctor Jara escrita por su compañera, la inglesa Joan Turner y titulada Víctor Jara, un canto truncado. Conocía la obra musical de Jara desde hacía años pero tenía ganas de conocer más a cerca de su vida. Tengo que decir que el libro no solo no me decepcionó, suele pasar con la vida privada de los grandes mitos, sino que aumentó mi admiración por la persona que se escondía tras el personaje.
Joan Jara nos cuenta una vida llena compromiso, belleza y solidaridad al lado del chileno. Nos relata no solo la vida en común con Victor, sino también su infancia difícil en el seno de una familia muy humilde, una juventud en la que Víctor busca su sitio en el mundo y una vocación artística enfocada hacía las clases más desfavorecidas. La vida de Víctor Jara está repleta de matices y de hechos trascendentes no solo para él, sino para las personas que le rodeaban. Figura clave en la cultura chilena, lo fue también en el ámbito latino americano y mundial. Fue la voz que alivió las penas de los pobres y denunció los abusos de los poderosos. Hombre comprometido políticamente con los movimientos socialistas y comunistas chilenos, participó activamente en el gobierno de Salvador Allende, impulsó la cultura popular y realizó un trabajo clave en el despegue del teatro chileno. Víctor Jara representa el compromiso de un artista con su pueblo, un hombre con conciencia de clase y sacrificio personal por unos ideales en los que creía firmemente.
También le cantó al amor, a la vida, al trabajo y a las cosas que dan sentido a nuestra vida. Es fácil encontrar una estrofa en alguna de sus canciones que ponga final a este post. Muchas narran hechos relevantes, otras cuentan cosas hermosas o reivindicativas, pero sin embargo elegiré una de la canción En algún lugar del puerto. Este pequeño verso me sugiere la paz y la felicidad que buscaba Víctor Jara en una vida convulsa y comprometida con los demás.

"Voy soñando, voy caminando, voy
en la arena dejo mis huellas, voy
y el mar me las va borrando, voy"




Victor jara - Te Recuerdo Amanda




Victor Jara - Manifiesto


miércoles, 27 de mayo de 2009

Jackson C. Frank, maldita la suerte

En ocasiones descubro músicos y grupos desconocidos u olvidados a través de una película, la radio, un anuncio en la televisión. Una canción o una música captan mi atención y hasta que no descubro el título y el autor no cejo en mi empeño. Gracias a esta ventana al mundo y a la información que es Internet, está búsqueda se ha simplificado enormemente de unos años a esta parte. Supongo que mi apetito musical y la curiosidad hacen el resto. Me resulta muy placentero descubrir nuevos artistas o artistas olvidados de esta forma, me recuerda a cuando me compraba un disco en mi juventud y tenía unas ganas increíbles de llegar a casa y pincharlo. En muchos casos, solo tenía referencia de él por alguna canción, alguna recomendación o por un amor a primera vista con la portada.
A Jackson C. Frank lo descubrí por una canción que sonaba en la infumable película de Vincent Gallo The Brown Bunnie. Se trataba de Milk and Honey, el track número seis de su único álbum titulado igualmente Jackson C. Frank y grabado en 1965. El disco se grabó en Londres y fue producido por Paul Simon, participando también Art Grafunkel y Al Stewart. Jackson llegó a Londres desde los Estados Unidos de donde era oriundo. Tuvo la suerte de cobrar el dinero de un seguro por un accidente que sufrió en su niñez y se embarcó rumbo a Europa. Con ese primer trabajo discográfico tuvo bastante éxito en los círculos Folkies del Londres de la época. Parecía que la suerte sonreía a Jackson, incluso preparaba ya las canciones para su segundo disco. Pero de repente esta suerte cambió, la discográfica rechazó las canciones que había compuesto, los estilos musicales de moda cambiaron, el dinero se le terminó y Jackson cayó en una profunda depresión. Regresó a los Estados Unidos, se casó y tuvo un hijo que murió al poco tiempo. Su salud mental empeoraba y la suerte le dio definitivamente la espalda. Ingresos en instituciones psiquiátricas, vagabundear por la ciudad de Nueva York y finalmente ser ingresado en un asilo en sus últimos años, fue lo que le deparó el destino a Jackson C. Frank.
La personalidad atormentada y su tremenda timidez se perciben en las canciones que grabó. Su música y sus letras tienen una sensibilidad especial, que enamoró a gente como Paul Simon, Nick Drake, Bert Jansch o Al Stewart. Jackson C. Frank fue un hombre sin suerte, pero yo me siento muy afortunado por haberle descubierto.

Jackson C. Frank - Blues Run The Game [1965]



Jackson C. Frank - Milk And Honey [1965]



Jackson C. Frank - Blues Run The Game [1965]




Jackson C. Frank - Carnival [1965]

martes, 26 de mayo de 2009

Retorno Al Pasado, cine negro como el carbón

Cuando el cine se adentra en los bajos fondos, afloran historias y personajes que nos atrapan y nos conmueven. El cine negro ha sido una fábrica de producir detectives privados, mujeres fatales, gangters, policías corruptos, policías honestos y criminales. Algunos se han convertido ya en mitos del celuloide y otros están por llegar, ya que este es un género que sigue produciendo gran cantidad de películas en la actualidad. Fueron las décadas de los años cuarenta y cincuenta cuando el cine negro se desarrollo y creció, alcanzando las cotas más altas del género. Las depresión económica de los años treinta, la prohibición del alcohol y la proliferación de las mafias, las guerras mundiales, la influencia de estilos europeos como el expresionismo alemán o el neorrealismo italiano y la novela negra fueron los engranajes que movieron a Hollywood a empezar a producir filmes de este tipo. De esta época dorada del género cabe destacar la obra de Jacques Tourneur Retorno al pasado (Out of the past) realizada en 1947.
La cinta de Tourneur no solo está considerada uno de los mejores exponentes del cine negro, sino que es una de las mejores películas de la historia del cine. Jacques Tourneur, un francés que emigró a los Estados Unidos cuando era joven, supo imprimir al filme su propio sello, creando atmósferas inquietantes, personajes bien definidos y retratando a una de las femme fatal más destructiva de todos los films noir.
El argumento nos cuenta la historia de un detective privado retirado, que vive oculto bajo el nombre de Jeff Baily en un pueblito del interior de California, que es reclamado por su antiguo jefe Wit Sterling para que le ayude con un asunto de impuestos en San Francisco. Baily y la amante de Sterling, Kathie Moffat, se fugaron juntos tiempo atrás y esta lo abandonó tras el asesinato del socio de Baily por ella misma. Ahora Kathie a vuelto con Wit, por lo que Baily sospecha que todo el asunto puede ser una trampa. Baily tendrá ahora que afrontar su pasado y saldar cuentas si quiere comenzar una nueva vida con su nuevo amor, una chica del pueblo llamada Anne Miller.
Robert Mitchum como Jeff Baily realiza una de las mejores interpretaciones del género, con su gabardina blanca, fumando y bebiendo continuamente. Jane Greer en el papel de Kathie Moffat desarrolla el mito de la mujer fatal hasta las últimas consecuencias, arrastrando a la perdición a todo aquel que se cruce en su camino. Kirk Douglas interpreta al mafioso con sed de venganza, que no perdona la deslealtad y que todo lo consigue por medio del dinero. El guión que corrió a cargo de Daniel Mainwairing, autor también de la novela, se desarrolla de forma milimétrica, con una trama compleja ambientada en multitud de escenarios distintos. La fotografía en blanco y negro de Nick Musuraca, tanto en las ciudades como en las montañas, es luminosa por el día y ténebre por la noche.
Retorno al pasado nos habla de personajes atrapados en una huida hacia adelante cuyo pasado les pasa factura, donde nada es lo que parece y todo puede cambiar de repente. La debilidad humana y la codicia son retratadas de forma excelente, también la amistad y la bondad aunque aquí son menos atractivas para el espectador. Retorno al pasado nos muestra que nada es blanco o negro, sino que la vida tiene una maravillosa escala de grises.


Retorno al pasado 1947 comienzo del fil
m

miércoles, 20 de mayo de 2009

Grand Funk Railroad, an american band

A principios de los años noventa, la única manera de enterarme de las últimas novedades musicales que me interesaban era escuchar radio 3, ver algún programa de televisión como Plastic o leer las revistas musicales. Recuerdo que la primera revista que empecé a comprar fue la Popular 1. A primeros de mes la esperaba con avidez y me la leía y releía de principio a fin. No tenía acceso a la mayor parte de los grupos de los que hablaba, pero despertaba en mí una inmensa curiosidad. Una de las lecturas obligadas era la columna del crítico musical Cesar Martín. Se llamaba y se llama No me Judas Satanás y en ella disertaba con ironía y acidez sobre artistas y películas que le molaban. Solía hablar de vez en cuando de una banda americana poco conocida aquí, Grand Funk Railroad. Según él, una de las mejores bandas de rock de los setenta, y hablar de rock en los setenta es mucho hablar. Siempre se me quedó grabada esta banda como una cuenta que se tiene pendiente, el problema era que me resultaba muy difícil conseguir alguna grabación de ellos por estos lares. Por fin, y tras la llegada de Internet a mi vida a principios del 2000, pude conseguir algunos discos y realmente me impresionaron.
Grand Funk Railroad son un combo de Flint en Michigan, donde nacieron la General Motors y Michael Moore. Comenzaron su carrera hacia finales de los años sesenta con Mark Farner voz y guitarra, Don Brewer voz y batería y Mel Schacher al bajo. Su mánager Terry Knight, que inicialmente fue miembro del grupo, realizó un buen trabajo de marketing consiguiendo un gran éxito de público. En cambio, nunca tuvieron el favor de la crítica de su época, que los consideró un grupo menor. Su primer disco One Time lo publicaron en 1969 y tuvo mucho éxito desde el principio, lo que provocó que en el mismo año sacaran su segundo álbum Grand Funk (El álbum rojo). A partir de entonces sacaron hasta 8 discos de éxito seguidos, pero en 1976 la banda se desintegró cuando el público les empezó a dar la espalda. Hasta la fecha, se han juntado en distintas ocasiones con distintas formaciones, siempre congregando a multitudes en sus conciertos.
Grand Funk Railroad son por derecho propio una de las bandas más importantes de rock y hard rock de Norteamérica. Fueron junto a los Beatles los únicos en llenar el Shea Stadium de Nueva York, manteniendo el record hasta la fecha. Su música no es copia de ningún otro grupo, tienen su estilo propio, donde la testosterona y la energía están siempre presentes. Sus directos eran demoledores, pura energía rock que derrochaban entre sus seguidores. Grand Funk Railroad merece tener su espacio propio dentro del limbo de los grandes del rock.

Grand Funk Railroad - Inside Looking Out 1969



Grand Funk Railroad - Closer to home



Grand Funk Railroad - Got This Thing on The Move



Grand Funk Railroad - We're An American Band LIVE in 1974

The Man From Earth, Sci-Fi sin FX

¿Te imaginas una película de ciencia ficción que no tiene ni efectos especiales, ni escenas acción, ni seres extraños o paisajes espectaculares?, ¡a que no!. No es la primera vez que aparecen filmes con parecidas propuestas, Primer en el 2004 o en menor medida Pi y Cube ambas en 1998 ya venían apuntando en este sentido. Esto es lo que que nos ofrece la película The man from earth (Jerome Bixby's The Man from Earth) del 2007.
La cinta está dirigida por Richard Schenkman y se basa en un relato de Jerome Bixby, uno de los autores de ciencia ficción mas relevantes del siglo XX, autor de historias en las que se han basado para episodios de Stark Trek, The Twilight Zone o la película Viaje alucinante.
El argumento gira en torno a las ultimas horas que pasan unos amigos en una casa de campo, el anfitrión se despide del resto porque emprende un viaje que no quiere desvelar. Ante la insistencia de sus invitados, todos profesores y científicos compañeros de facultad, les revela que es un hombre de Cro-Magnon y que lleva vivo 14.000 años.
Se trata de cine absolutamente independiente con un presupuesto de tan solo 200.000 dolares. Con una sencilla puesta en escena la ciencia ficción viene dada no por efectos especiales, ni por flashbacks a otras épocas sino por los diálogos que crean los personajes. Los invitados hacen preguntas para intentar desmontar la historia que su anfitrión les cuenta y este les responde a todas ellas con increíble veracidad. Su trama es inteligente, los actores están esplendidos y te engancha desde el principio. No me extraña que se haya convertido en una película de culto en tan poco tiempo, apenas ha sido distribuida por los canales comerciales, su difusión se debe en gran medida a los canales P2P.
Se trata pues de una propuesta diferente, interesante y que merece mucho la pena. Sin duda la imaginación es mucho más poderosa y ninguna otra cosa.


The Man From Earth - Trailer con subtítulos en español

martes, 19 de mayo de 2009

Cash por Johnny Cash

Normalmente en el mundo del espectáculo nada es lo que parece, todo viene adulterado por el marketing y los asesores de imagen. Es difícil conocer lo que se encuentra detrás del personaje, el verdadero yo del artista. La prensa especializada los ensalza, alimenta la leyenda, la prensa amarilla o rosa los despelleja, al final, ¿con cual te quedas? Aunque también hay artistas que eliminan las barreras con el público y proyectan lo que son. Lo que ofrecen puede gustar o no, pero no puede acusárles de engañar a nadie.
La autobiografía de Johnny Cash escrita con la ayuda de Patrick Carr nos descubre a uno de los artistas más importantes de la música americana del siglo XX. Esta ha sido publicada en España por Global Rhythm Press, una estupenda editorial independiente de Barcelona especializada en temas musicales, haciéndose cargo de la traducción el crítico y periodista musical Ignacio Juliá, fundador de la revista Ruta 66. El libro se presenta con una encuadernación cuidada y fácil de manejar, en tapa dura y con un papel de calidad.
Cash nos cuenta su vida desde la niñez hasta sus últimos conciertos en el 2003, poco antes de su muerte el 12 de septiembre. Su vida estuvo repleta de amor, aventuras, drogas, alcohol y música, mucha música. Se consideraba un cantante del pueblo, vestía siempre de negro en homenaje a los desfavorecidos y desprendía simpatía allí por donde actuaba. En su libro nos cuenta sus inicios musicales en Alemania, cuando estaba en el ejército y su posterior fichaje por Sun Records, el estudio del productor Sam Phillips. Nos relata sus caídas y recaídas en las drogas, contándonos anécdotas desgarradoras de como las anfetaminas y los barbitúricos casi le destrozan la vida. Todas estas tragedias personales nos las cuenta con una increíble lucidez y sin moralejas rancias. Nos habla de la importancia que su familia tenía para él, con mención especial al amor de su vida, la también cantante June Carter. Cash se declara un hombre profundamente religioso. Reconoce que en los momentos más salvajes de su vida dejó de lado su devoción religiosa, pero siempre la retomaba si cabe con más fuerza, aunque sin hacer proselitismo de ningún tipo. Se narran episodios sobre la multitud de personajes relevantes se que se cruzaron en su vida. Declara su admiración por Bob Dylan o Eric Clapton, cuenta la tragedia de su vecino Roy Orbison y su encuentro con Elvis tiene un lugar importante en el libro.
En los últimos años, Cash tuvo un resurgimiento inesperado cuando fichó por la discográfica American recordings. De la mano del productor Rick Rubin vivió una segunda o tercera juventud que le valió el reconocimiento de las nuevas generaciones musicales, el mejor homenaje antes de su muerte.
John R. Cash, una de las voces de los marginados y de los olvidados de América con permiso de Pete Seeger, fue un hombre honesto. Su música imperecedera nos acompañará en sus grabaciones y a través de los artistas en los que ha influido. Su carrera musical, puede que en parte lastrada por la estrechez de su propio estilo, es un ejemplo de superación, perseverancia y verdad.
Quizás la vitalidad del bueno de Johnny se apagó tras la muerte de su gran amor June Carter. Poco antes de morir escribía al final de su libro:

"Ya es hora de que me vaya a trabajar, o si lo prefieres a tocar. Después de todo, así lo llamamos los gitanos de la música. Me pondré mi camisa negra, insertaré el cinturón negro en mis pantalones negros, haré el lazo en mis zapatos negros, y me iré a actuar para la gente de este lugar"


Johnny Cash, Live at S.Quentin - Folsom Prison Blues

lunes, 18 de mayo de 2009

Buscando Un Beso A Medianoche, misántropo busca a misántropa

El cine norteamericano se ha prodigado en el género de la comedia romántica en multitud de ocasiones. El resultado ha sido un buen puñado de obras maestras de una lista variopinta de directores. Howard Hawks con La fiera de mi niña de 1938, George Cukor con Historias de Filadelfia de 1940, John Ford con El hombre tranquilo de 1952, leo Mcarey con Tu y yo de 1957 o Blake Edwards y su Desayuno con diamantes de 1961, no son solo comedias de corte romántico, sino grandes obras de la historia del cine. En los últimos años las comedias románticas llegadas del otro lado del charco tenían más de cine de consumo palomitero que de otras aspiraciones artísticas. Actores jóvenes y mediáticos, historias facilonas y canciones de éxito eran los ingredientes utilizados por la industria de Hollywood para este tipo de comedias. Sin embargo de vez en cuando aparece alguna obra que nos recuerda que el género sigue vivo, que mantiene propuestas más exigentes y audaces para la audiencia. La maravillosa Olvídate de mi de Michael Gondry, Antes del atardecer de Richard Linklater o Buscando un beso a medianoche, nos hacen olvidar a los que pierden el novio en 10 días, los alquilan, las que los tienen a pares o simplemente lo encuentran por e-mail.
La ultima sorpresa agradable que he tenido en este sentido ha sido la magnífica película de Alex Holdridge Buscando un beso a media noche realizada en el 2008. Se trata de una película encuadrada dentro del cine independiente, con actores poco conocidos, un director con apenas dos películas y que es autor también del guión. La fotografía del filme es en blanco y negro lo que remarca más su carácter indi y nos produce el efecto de realidad que impera en toda la cinta. El argumento trata sobre los avatares de Wilson, un escritor de guiones que lleva un año en Los Ángeles y que está pasando el peor año de su vida desde que salió de su pueblo en Texas. A través de un mensaje en una pagina de contactos que le pone su amigo Jacob conoce a Vivian, una chica que huye de su novio y que es también nueva en la ciudad.
La película combina perfectamente la comedia y el drama, dejando un regusto agridulce en su conjunto. El guión es dinámico, con diálogos inteligentes, la música es acertada y los actores están convincentes en sus papeles. Se trata de una comedia donde la soledad, la ternura y la inteligencia tienen su espacio propio. Un buen ejemplo de comedia romántica en forma de cine independiente hecho con la cabeza pero que va directamente al corazón.

Buscando Un Beso A Medianoche - Trailer V.O.S


domingo, 17 de mayo de 2009

Fin de semana en el Azkena Rock 2009

Segunda jornada del Festival Azkena Rock 2009 y en principio su día fuerte puesto que tocaban los esperados Black Crowes. No pude ver las primeras actuaciones de Jon Ulecia & Cantina Bizarro, Howlin Rain y Dr. Dog en el escenario Ron Asheton Stage y Elliot Brood en el ya operativo Lux Interior Stage. Muchas actuaciones de grupos interesantes las programan demasiado pronto y es complicado estar tantos días al pie del cañón desde el principio, cosas de los festivales.

The Fabulous Thunderbirds

El primer grupo que vi la jornada del viernes fue el combo de Austin The Fabulous Thunderbirds. Esta veterana banda nos deleitó con buenos blues y rock and roll americano, con su miembro fundador al frente, Kim Wilson. Es agradable empezar una jornada soleada con música de raíces como la que ofrecen los Thunderbirds mientras te tomas la primera cerveza del día. El show se desarrolló como cabe esperar de una buena banda de blues, buena voz, buen ritmo y buenos solos de guitarra. El grupo terminó con una canción con un interminable solo de armónica por parte de Wilson, haciendo gala de su habilidad con ella.

Eli "Paperboy" Reed & The True Lovers

Después, en el escenario Ron Asheton actuó uno de los artistas más esperados del día, el músico Norteamericano Eli "Paperboy" Reed. Se trata de una de las promesas del r&b y soul, que con tan solo un disco y 24 años mantiene viva la llama de Otis Redding. Nos ofreció un concierto espectacular, con un sonido muy bueno y con una banda muy conjuntada llamada The True Lovers . Nos contó que era el último concierto de la gira, se notó el rodaje que tenían ya. La voz de este chico tiene esas raíces negras con sabor clásico que siguen gustando al público. Desde el comienzo salió a darlo todo sobre el escenario y eso lo notó la audiencia que le apoyó desde el principio. Su música hizo bailar a todo el personal, que todavía por el horario se encontraba fresco, y sin duda fue uno de los hitos de todo el festival. Dado el éxito, la organización les dio algo más de tiempo y realizaron un bis, cosa no habitual en grupos tempraneros. Un gran concierto que augura un buen futuro a este artista.

U.K Subs

En el escenario principal actuaron a continuación los U.K Subs que sustituían en el último momento a los americanos Bad Brains. Fueron lo que se esperaba de ellos, punk-rock ingles machacón para incondicionales del género. Aproveché parte del show para visitar el mercadillo y recoger alguna camiseta gratis que daban por ahí.


The Zombies

Uno de los dinosaurios que se programaron este año actuaron seguido en la carpa, el grupo británico de pop psicodélico The Zombies. Los dos miembros del grupo original que se mantienen en la banda, Rod Argent y Colin Blunstone, se acompañaron de Keith Airey a la guitarra, Jim Rodford (ex-miembro de The Kinks y The Animals) al bajo y Steve Rodford (hijo de Jim) a la batería. Repasaron parte de sus grandes éxitos, con mención especial a su mítico álbum Odessey & Oracle de 1968. Nos dieron un buen concierto demostrando que aún se mantienen en forma, con un buen sonido y con un buen ritmo. Más de lo que estos grupos nos ofrecen actualmente, es la deuda que se tiene con ellos por ser lo que fueron en la historia de la música pop.

Soul Asylum

Seguidamente actuaron los norteamericanos Soul Asylum que tuvieron sus momentos de gloria en la explosión del grunge en los noventa. Nos dieron un concierto de rock alternativo típico americano, combinando la fuerza y la delicadeza en sus canciones. No son uno de mis grupos favoritos y escuché la mitad del show sentado con un mediocre bocadillo de pollo, queso y tomate. Después tocaban Black Crowes, ahora o nunca.

The Black Crowes

Por fin actuó el plato fuerte del día, la banda de Atlanta Black Crowes. Era un grupo muy esperado ya que solo habían actuado una vez por aquí, hace hace catorce años como teloneros de los Rolling Stones en Donosti. Siempre se ha comentado que los organizadores estaban intentando contratarles desde hace tiempo, supongo que una de las cuentas pendientes del Azkena Rock. Veni, vidi, vici, The Black Crows ofreció un concierto fantástico para los catorce mil allí congregados. El sonido fue excelente, un show parco en efectos visuales pero excelso en matices musicales. Empezaron tocando sus éxitos de los primeros discos y el público se entregó desde el comienzo. A mitad de concierto empezaron a alargar las canciones y a lucirse en los solos, cosa que enfrió un poco los ánimos a algunos, pero volvieron a retomar el vuelo con Jealous again, Hard to hardle y Remedy. Terminaron la actuación con tan solo un bis pero con más de dos horas de concierto. Por ponerles alguna objeción a su actuación me pareció que estuvieron un poco fríos con el publico, aunque eso quizás sea por su sobria puesta en escena. Sin duda un gran concierto de Rock.


Electric Eel Shock

Finalizaron los conciertos del viernes con los japoneses Electric Eel Shock. Tan solo vi parte de la actuación ya que el cansancio había empezado a hacer estragos en mi. Lo que vi me resultó divertido, ideal para mover al personal que quedaba por allí. Este trio japones ofrece conciertos sin respiro, donde el hard rock y el metal brillan con luz propia. No dejaron de moverse y animar al personal en todo momento, cosa difícil ya a esas horas, pero parece que el público disfrutó mucho con ellos. Es de resaltar que el batería con iba en pelotas, con tan solo una media larga en sus partes con la que aporreaba la batería de vez en cuando. Esto tiene un merito increíble ya que hacia mucho frío en Vitoria esa noche.

Woven Hand

En la tercera y última jornada del festival el tiempo acompañó, hacía las seis de la tarde había veintisiete grados. Me perdí los primeros conciertos de la jornada, el de los vitorianos Reverendo parker, Jonny Kaplan & The Lazy Stars y Dan Auerbach. Llegué para ver terminar a Woven Hand y por lo visto creo que me perdí un gran concierto, ya habrá otra ocasión.

The New Christs

Empecé la tarde viendo en el escenario principal al cantante de los míticos Radio Birdman, Rob Younger, The New Christs. Hicieron un buen concierto de punk-rock, con muchas reminiscencias de los Radio Birdman. El grupo dio un buen sonido y la voz de Younger parecía en forma. Un buen concierto para empezar el día.

Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue

Seguido actuó otro de los hitos de este Azkena Rock, el cantante sureño Mike Farris acompañado de los The Roseland Rhythm Revue. La actuación de este chico y su banda fue fantástica, con mucha fuerza y arrasando con un publico entregado desde el principio. Se nota la mejoría en su voz desde que le vi actuar dos veces en el 2004, una con su anterior grupo, los Screaming Cheetah Weelies, y otra en plan acústico en un homenaje a Johnny Cash. En aquel momento ya era muy buena, pero ahora es excelente, modulándola de maravilla y haciendo replica a las dos voces negras que le acompañaban en el escenario. Hicieron un concierto de soul y gospel que hizo cantar y bailar a la audiencia como si estuvieran en misa. El y sus acompañantes se gustaron, se les notaba cómodos y alargaron su actuación debido al éxito obtenido. Por ponerles un pero, el sonido estuvo saturadísimo, no había quien aguantara en las primeras filas. Sin lugar a dudas una de las mejores actuaciones de los últimos años.

Molly Hatchet

Mas tarde actuaron los también sureños Molly Hatchet. Su southern rock me aburrió bastante, sonó bastante bien pero me parecieron repetitivos y aburridos. A mi el rollo redneck no me gusta demasiado, o que después de Mike Farris era muy difícil quedar a la altura. Lo único destacable fue una versión de Free Bird de los Lynyrd Skynyrd y el bocata que me comí otra vez de pollo, los experimentos a estas alturas con gaseosa.

The Soundtrack Of Our Lives

Después del bocadillo asistí al concierto de los suecos TSOOL en el escenario de la carpa. La verdad es que el sonido volvió a ser pésimo, demasiado alto. El grupo tiene un repertorio clásico de rock y pop psicodélico que si no se escucha en condiciones se pierden muchos matices. Aun así fue un buen concierto y la gente disfruto de el.

Fun Lovin' Criminals

Ya en el principal actuaron los neoyorquinos Fun Lovin' Criminals. Son un grupo que nos ha visitado en bastantes ocasiones y había poco espacio para la sorpresa. Hicieron un buen concierto, sonó bien y tocaron aparte de sus temas más conocidos, alguna concesión a la audiencia que les escuchaba, como la versión de Led zeppelin Rock and Roll, de Jimi Hendricks con Foxy Lady y un pequeño toque de We Will Rock You de Queen. El concierto duró menos de lo previsto ya que se llegaba con retraso acumulado y tenían que montar el espectáculo de Alice Cooper en el mismo escenario.

Alice Cooper

Y llegó una de las estrellas de esta edición, el norteamericano Alice Cooper. Empezó el concierto con algunos de sus éxitos como I'm Eighteen, Under my Wheels o No More Mr. Nice Guy. El show comenzó siendo un concierto de rock y paso a ser un espectáculo teatral, con una especie de opereta, mas o menos graciosa, con bailarinas, actores y música de fondo. El público disfrutó en general, unos por su devoción al artista y otros por la curiosa propuesta. El show volvió a ser un concierto de rock hacia el final cuando sonaron temas como Elected, Poison y School's out ya con el respetable entregado. El sonido fue muy bueno y la banda que le acompañaba, excepto algún exceso a la batería o a la guitarra, estuvieron muy bien. El rock como espectáculo en estado puro, para no olvidar.

The Toy Dolls

Dado el desfase horario y el escenario que tenia montado Alice Cooper, se habilitó el escenario de la carpa para el concierto de los Toy Dolls. Tan solo escuché el principio del concierto y me pareció que era para incondicionales del grupo o gente con todavía ganas de juerga. las fuerzas escaseaban después de tres días y tocaba retirada.
En resumen ha sido un buen Azkena el de este año, con grandes conciertos como el de Eli "Paperboy" Reed, Black Crowes, Mike Farris o Alice Cooper. Esperamos con ganas ya la próxima edición de un festival que no decepciona a los amantes del rock and roll. Hubo buena asistencia de público los tres días por lo que la propuesta que nos ofrecen los chicos de The Last tour sigue vigente. Como decían los Rolling Stones, "I know, it's only rock 'n' roll, but i like it".

viernes, 15 de mayo de 2009

Azkena Rock 2009, Los entrantes están servidos

Una jornada entretenida la primera del festival Azkena Rock 2009. El tiempo a pesar de amenazar con lo peor, se contuvo y tan solo nos dejó algo de viento y fresquito, mucho fresquito. Como siempre el festival está bien organizado, no se formaron colas, era un jueves con viernes laboral y eso ayuda, ni en las taquillas, ni en la puesta de pulseras o en la entrada. Como todos los años, hay una pequeña zona de merchandising a la entrada, la crisis se nota, una zona de relax con puffs y una especie de sofás esparcidos por un manto verde artificial, los lugares habituales de cambio de monedas y las distintas barras de comer y beber. La calidad de la comida sigue siendo la cuenta pendiente, por lo menos en los dos sitios que yo probé, ¿tan difícil es dar bocadillos de calidad?, parece que sí.

Burning

El primer concierto al que asistí fue el de los madrileños Burning que desplegaron su rock setentero tipo Stones por el único escenario que estaba ayer operativo, el Ron Asheton Stage en honor al guitarrista de los Stooges, fallecido este año. Johnny Cifuentes, el único miembro fundador en activo,consiguió calentar al personal desde la primera canción. Se le notan las tablas sobre el escenario con treinta y cinco años de carrera. Con un repertorio tan extenso y plagado de éxitos no les resultó difícil que el publico empezase a cantar y bailar sus canciones. No faltaron los éxitos ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, Es especial, Esto es un atraco nena o Mueve tus caderas, dejándose tantas otras sin tocar por lo estricto del tiempo en los festivales. La banda sonó compacta, mejorando el sonido a lo largo del concierto. Cifuentes, a modo de Fernando Alonso, descorchó una botella de champán sobre el público mientras la banda tocaba el último número. En resumen se trato de un buen concierto de rock and roll, que de eso burning sabe un rato largo.

White Denim

La siguiente banda en el escenario fue trío tejano White Denim. Su concierto tuvo un ritmo frenético, ofreciéndonos desde el primer tema una mezcla de estilos pasados por una batidora a toda pastilla y servidos al instante. Hicieron un concierto de dentro hacia fuera. Los tres músicos tocaban para sí mismos mirándose y moviéndose al ritmo que marcaban y el público disfrutaba de lo que de allí salía.
La estructura particular de sus canciones sin estribillos reconocibles hace que sus conciertos sean más una performance musical, creando atmósferas sonoras, que conciertos de rock al uso. En su música se notan las influencias psicodélicas, el hard rock o el blues, además de la ecualización de la voz con un regusto al Robert Plan
t de Dazed and Confused a 75 r.p.m. Se trata de un grupo diferente, con un sonido diferente. En esta diferencia está su secreto.

The Freeks

El concierto de The Freeks fue como cabia esperar, intenso, plomizo y psicotrópico. Sus componentes vienen de grupos como Nebula, Kyuss o Zen Guerrilla y eso se nota. Con un rock donde la psicodelia, el stoner y Blue Cheer brillan a partes iguales, ofrecieron una actución a ratos acelerada y a otros más pausada. Me pareció que algunos componentes salieron al escenario un poco "tocados" y sufrieron algun percance técnico. Tocaron una version abrasiva de Young man blues y yo aproveché para ir al bocata.

The Breeders

Después actuó el cabeza de cartel de ese día, el grupo estadounidense The Breeders. Siempre me ha parecido un grupo con vocación amateur. En directo preparan poco las canciones y son irregulares, pero quizás esa sea la clave de su éxito. Son referente de la música indie y alternativa
desde los años noventa con tan solo un álbum. La vida convulsa de las hermanas Deal tuvo seguramente la culpa.
Ayer nos ofrecieron un concierto a ratos brillante, a ratos inestable pero siempre fresco, espontaneo y nostálgico para aquellos a quienes su primer disco nos cogió en la veintena. The Breedes son como son, no les hace falta cambiar.


Juliette Lewis

Para terminar la jornada, asistí a parte de la actuación de Juliette Lewis. He de reconocer que la chica se sabe mover por el escenario, pero su música me resulta facilona y artificial. Algunas cancionas las disfrutas, son pegadizas, pero parece rock en cierta forma alternativo hecho para las radio fórmulas. Por las cuatro o cinco canciones que vi ayer, parecía que su estilo habia cambiado desde sus primeros albumes, lo encontré más intimista y pausado. También la acompañaba una banda renovada, con aspecto menos rockero. Pero por lo que vi el público disfrutó y se entregó desde el principio, amen.

El último grupo, los suecos Hardcore Superstar, me lo salté. Creo que ni ellos me interesaban ni yo les interesaba a ellos, por lo que guardamos fuerzas para lo que hoy nos espera.
Para hoy el cartel es el siguiente:


15.15 h Apertura de puertas

LUX INTERIOR STAGE

17.05 h Elliot Brood
18.40 h The Fabulous Thunderbirds
20.25 h Bad Brains
22.25 h Soul Asylum
0.00 h The Black Crowes
1.55 h Electric Eel Shock

RON ASHETON STAGE

15.50 h Jon Ulecia & Cantina Bizarro
16.25 h Howlin’ Rain
17.50 h Dr Dog
19.30 h Eli ‘Paperboy’ Reed
21.20 h The Zombies


Que dios reparta suerte!!!!!!

jueves, 14 de mayo de 2009

Comienza el Azkena Rock festival 2009


Hoy empieza en Vitoria-Gazteiz el festival rockero más importante del norte del estado, el Azkena Rock. Como desde hace cinco ediciones no faltaremos a esta cita anual, lugar de peregrinación de rockeros irredentos y nuevos adeptos. Como suele ser habitual, el cartel es bastante homogéneo. Una mezcla de dinosaurios, bandas consagradas y nuevos valores, pisando todos los territorios comunes de la música rock ya sea en su faceta mas hard o mas light. Intentaré estos días transmitir mis sensaciones y mis impresiones de lo que voy a ver y a escuchar, siempre y como no podía ser de otra manera, de forma subjetiva.
Para abrir boca hoy la organización nos ofrece el siguiente cartel:

17.00 h Apertura de puertas

LUX INTERIOR STAGE

17.45 h Jenny Dee & The Deelinquents
18.25 h The Inspector Cluzo
19.20 h Burning
20.20 h White Denim
21.25 h The Freeks
22.45 h The Breeders
0.20 h Juliette Lewis

1.55 h Hardcore Superstar


Jenny Dee & The Deelinquents son un combo de Boston que nos ofrece un repertorio cargado de Soul y pop de los sesenta, con similitudes a grupos de chicas como Martha and The Vandellas o las Ronnettes.
Después tocarán The Inspector Cluzo una banda francesa que fusiona el funk y el hard rock señalando ellos mismos a Curtis Mayfield o AC/DC como sus influencias.
Les seguirá en el escenario la mítica banda madrileña Burning, una banda de gran importancia dentro del rock español desde los años setenta, que ha estado lastrada a lo largo de los años por la muerte de varios de sus componentes.
Más tarde, tocarán los tejanos White Denim con una mezcolanza de estilos que van desde el folk o la psicodelia hasta el country alternativo o el blues.
A continuación, actuará la banda de Seattle The Freeks, con ex-componentes de Nebula o Kyuss, que desplegaran su arsenal de rock psicodélico y lisérgico.
Uno de los cabezas de cartel de festival actuarán después, los norteamericanos The Breeders. Banda mítica de la escena alternativa de los años noventa, con Kim Deal la bajista de los Pixies a la cabeza.
Casi al final de la jornada, actuará Juliette Lewis, parece que sin su banda The Licks. La mediática actriz-estrella-del-rock desplegará un rock mas pausado e intimista que al que nos tenía acostumbrados.
Los suecos Hardcore Superstar serán los encargados de cerrar el primer día con su hard rock metalero.
No está mal para abrir boca, un comienzo suave para lo que nos espera.


Jenny Dee & The Deelinquents perform "Do It All Over Again" at The Precinct in Union Square in Somerville, MA on April 17th, 2009




The Inspector Cluzo "Two Days"



Burning "No es extraño que tu estes loca por mi"



Official video for 'Shake Shake Shake' by White Denim



The Freeks - Coming On(live version)




The Breeders - CannonBall




Juliette Lewis - Hardly Wait




Hardcore Superstar - We Don't Celebrate Sunday's


Athletic, Para perder las finales, hay que jugarlas...

martes, 12 de mayo de 2009

Serge Gainsbourg, alcohol, Gitanes y mujeres

Serge Gainsbourg fue uno de los iconos más importantes de la cultura francesa popular de la segunda mitad del siglo XX. Su faceta más importante la realizó en el mundo de la música, pero realizó incursiones en otras artes como el cine, como actor y director, la pintura, la escritura o la poesía. Marcó tendencias y abrió nuevos caminos tanto a artistas coetáneos como a sus predecesores y en Francia está considerado como referencia cultural y estética.
Comenzó en el mundo de la música, después de haber abandonado la pintura, como músico de cabaret en el París de la postguerra. Ese París que recuperaba el ardor cultural y el glamour después de la segunda guerra mundial. Empezó a componer para otros artistas famosos de la época y actuó como pianista de acompañamiento hasta que decidió cantar sus propias composiciones. Sus primeros albumes fueron de un acentuado estilo jazzistico, siempre con referencias claras en la chanson francesa y no tuvieron tanto éxito como sus coetáneos Jacques Brel o Juliett Greco. En cambio si tuvo reconocimiento de la crítica y prestigio dentro de la música. En los años sesenta realizo composiciones de éxito para grandes figuras francesas de la época como Françoise Hardy o France Gall, llegando a ganar el festival de Eurovisión. En sus discos en solitario se nota un cambio de estilo hacia el pop de los sesenta o el folk étnico. El éxito le llega con la composición Je t'aime moi non plus en 1967, canción que realizó con la estrella Brigitte Bardot con la que tuvo un romance sonado, aunque la versión final la hizo con su nueva pareja, la actriz inglesa Jane Birkin. A partir de ese momento, realizó un buen puñado de éxitos a dúo con Birkin y se convirtieron en una pareja famosa y glamourosa de la época. Comenzó los años setenta con incursiones en el rock sinfónico con su magistral album Historie de Melody Nelson en 1971, continuó con el rock mas puro en Rock around the bunker de 1975 y termino la década con obras claramente reggae como en Aux armes et caetera en1979. En los años ochenta siguió reinventándose a si mismo fusionandose con estilos como el hip hop o el funky y adoptó el rol de su otro yo, el canalla Gainsbarre. Ya como Gainsbarre provocó escándalos sonados en los medios, por sus borracheras, comentarios jocosos y su mala vida.
Serge Gainsbourg siempre busco el éxito de una manera honesta, adoptando diversos estilos y aportando innovación y riesgo. Cambio su aspecto, cambio su voz, cambio su música pero siempre dejo su esencia, la de alguien único e irrepetible. Su vida la vivió siempre en el filo, huyendo del aburrimiento, siendo un hedonista en la forma y un atormentado en el fondo. Hombre contradictorio y polémico, procuro siempre estar a la vanguardia con todo lo que hizo.
Como señaló el mismo "Mi vida es un triángulo de alcohol, Gitanes y mujeres", pero siempre, con su música de fondo.



Le poinçonneur des Lilas




69 Annee Erotique con Jane Birkin



The initials BB



L'histoire de melody nelson


domingo, 10 de mayo de 2009

Apocalypse Now, el horror de la guerra

Hoy hace treinta años se estrenó en el festival de Cannes la película de Francis Ford Coppola Apocalypse Now. Esta película está considerada como una de las grandes obras del cine, con secuencias que se han quedado grabadas para siempre en las retinas de los espectadores.
Fue un rodaje duro y complicado, con huracanes que destrozaron los set de rodaje, problemas físicos para actores y técnicos, líos con el gobierno filipino donde se rodó la película y un largo anecdotario recogido en un documental hecho sobre el filme titulado Heart of Darkness: A filmmaker Apocalypse's estrenado en 1991. El argumento se basaba en la interpretación libre del libro de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas y fue idea del guionista y director John Milius y el productor, director y guionista George Lucas. Una misma idea concebida por dos personalidades distintas, ya que Milius era una persona bastante reaccionaria y Lucas un Demócrata convencido. La composición final del guión la realizaron Milius y Coppola, dejando el final sin terminar al comienzo del rodaje. La trama giraba en torno al viaje que realiza el capitán Willard, encarnado por el actor Martin Sheen, por la selva vietnamita y camboyana en plena guerra con los Estados Unidos. Su misión es encontrar y eliminar al coronel Kurtz, interpretado por Marlon Brando, un oficial renegado y desertor que forma una milicia en el medio de la selva. Durante el viaje, Willard conocerá la locura de la guerra y el horror humano en un descenso a los infiernos.
La visión de toda la epopeya resulta hipnótica y surrealista. La utilización de la música y las drogas dan énfasis en la visión onírica que nos ofrece Coppola. Los distintos personajes que van apareciendo ya forman parte de la historia del cine, como el coronel Kilgore, interpretado por Robert Duvall, y su famosa frase "me gusta el olor a Napalm por la mañana" mientras bombardean una aldea enemiga con La cabalgata de las Valquirias de Wagner sonando de fondo o su empeño en hacer surf mientras caen las bombas. Pocas películas en la historia del cine han sabido captar la maldad de la guerra y de los hombres como Coppola lo hizo. Con el paso de los años sigue teniendo vigencia no solo como obra cinematográfica sino como visión de los conflictos bélicos. En 2001 se realizo un nuevo montaje y el añadido de nuevas escenas que se tituló Apocalypse Now Redux, obteniendo también gran éxito de crítica.
Si hubiera películas de obligado visionado, esta sería una de ellas.



Apocalypse Now Original Trailer


The Who y la opera rock

Ayer se celebraba el día mundial de la opera, un género con en el que el rock ha intentado fusionarse en algunas ocasiones, dando un buen puñado obras. Los artistas intentaban narrar una historia hilvanada mediante canciones rock. Este estilo nació o empezó a tener repercusión a finales de los años sesenta, cuando algunos grupos de la época empezaron a desarrollar la idea de componer todas las canciones de un álbum bajo un concepto o idea común. Eran normalmente proyectos ambiciosos en los que se intentaba dotar de mas peso intelectual a las obras y desarrollar las ideas creativas de los músicos. The Beatles con el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), Beach Boys con Pet Sounds (1966), Freak Out! (1966) de Frank Zappa, Who Sell Out (1967) de TheWho o Their Satanic Majesties Request (1967) de los Rolling Stones, son claros ejemplos de discos conceptuales. En 1968 el grupo británico The Pretty Things publica la obra S.F. Sorrow, que es considerada como la primera opera rock de la historia. Pero sin duda quienes perfeccionaron este concepto logrando el éxito fueron los británicos The Who.
En 1969 The Who publicó el álbum Tommy, un proyecto ambicioso de Pete Townsend en el que se narraba la historia de un niño que se queda sordo, mudo y ciego por causa de un trauma infantil, consigue curarse y se convierte en un mesías. Este álbum se convirtió en un éxito de ventas y crítica, proporcionando al cuarteto británico un estatus de grupo innovador dentro del mundo de la música.
El grupo intentó crear una nueva ópera rock titulada Lifehouse que por diversos problemas no se pudo llevar a cabo, pero algunos de sus mejores temas se utilizaron en el álbum Who's next de 1971, considerado uno de los mejores discos de la banda y de la historia del rock.
En 1973 The Who compuso su segunda y última opera rock llamada Quadrophenia. La historia giraba en torno a los problemas y sucesos que le ocurrían a un adolescente mod en 1965, atrapado entre cuatro personalidades distintas que reflejaban las de los cuatro miembros de la banda.
Estos discos están considerados por la crítica como grandes obras del rock y por su éxito e influencia sin duda lo son. Narraron los problemas de la juventud de su generación y pesar que puedan resultar pretenciosos o artificiales fueron musicalmente innovadores. Las adaptaciones cinematográficas que se hicieron de estos álbumes resultaron cuanto menos curiosas, aunque el paso del tiempo no les ha beneficiado.
The Who siempre intentó dar un paso más con sus creaciones. Sus operas rock permanecerán en la historia del rock como hitos del género. Como cantaba Roger Daltrey, "Long live rock, I need it every night, Long live rock, come on and join the line, Long live rock, be it dead or alive".

Pinball Wizard from Tommy 1969



Won't get fooled again from Who's next 1971




Baba O'Riley from Who's next 1971



The real me from Quadrophenia 1973


 
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