The Ladykillers o El Quinteto De La Muerte (1955)

En uno de los post de primeros de mayo os hable de una estupenda película de piratas del director norteamericano Alexander MacKendrick, Viento en las velas. En ese post os comente que el director nos mostraba el poder destructivo de la inocencia, en ese caso representada por unos niños frente a sus secuestradores piratas. MacKendrick ya había tratado esta paradoja en forma de comedia negra unos años antes en la divertidísima cinta de 1955 El Quinteto De La Muerte.
El Quinteto De La Muerte nos cuenta la historia de una banda de criminales que alquilan una habitación a una ancianita muy simpática cerca de la estación de Londres. Estos se hacen pasar por músicos de jazz pero lo que pretenden es dar un golpe en la estación del tren. La dulce anciana acaba descubriendo todo el pastel y estos deciden asesinarla antes de que avise a la policía.
El filme de MacKendrick es por derecho propio una de las mejores comedias negras de los años cincuenta y por extensión de todos los tiempos. Hay varios factores que hacen que toda la película funcione como un reloj suizo. En primer lugar tiene un guión extraordinario de William Rose, con unos diálogos afilados y mordaces, insertados dentro de una trama muy bien montada. El elenco de actores es impresionante, empezando por el gran Alec Guinness como el jefe de la banda la cual está formada por Herbert Lom, Peter Sellers, Danny Green y Cecil Parker. Años más tarde Herbert Lom y Peter Sellers encarnarían a uno de los dúos trágico-cómicos más característicos de la historia del cine, el formado por el comisario Dreyfuss y el inspector Clouseau en la saga de La Pantera Rosa. Destaca a su vez la actriz Katie Johnson interpretando a la pobre ancianita en uno de los mejores trabajos de su carrera. El fotógrafo checo Otto Heller dotó al filme de una fotografía colorista realmente espectacular. Todo esto unido a la estupenda dirección de MacKendrick hacen de El Quinteto De La Muerte una película genial, llena de escenas memorables y gags realmente logrados. Los hermanos Coen realizaron un remake en el 2004 titulado Ladykillers. La cinta de los Coen es bastante fiel al original de MacKendrick aunque en este caso la acción de desarrolle en los estados Unidos y lo que pretendan atracar sea un casino. La película de los Coen resulta amena y divertida aunque no alcanza en mi opinión el nivel artístico de la original.
El Quinteto De La Muerte es de esas películas que retomas cada cierto tiempo, terminas enganchándote a su trama y te sigues riendo con sus gags, convirtiéndola así en una obra intemporal e imperecedera.

The Ladykillers Trailer (1955)

Chess Records

Hoy he visto Cadillac Records (2008), película que narra a groso modo y con muchas licencias cinematográficas la historia del sello discográfico de Chicago que estandarizó la música rock, Chess Records. El filme en si mismo no tiene más interés que el de escuchar gloriosas canciones regrabadas por los propios protagonistas de la cinta pero con una producción clásica. Sin embargo no he dejado de emocionarme recordando la historia del sello en el que trabajaron las figuras más importantes del blues, r&b y rock and roll..
Chess Records fue fundada en 1950 por los hermanos Chess, Leonard y Phil, tras hacerse con la mayoría de las acciones de Aristocrat Records. En 1947 empezaron en el negocio musical cuando montaron en el sur de la ciudad un club de música negra llamado Macamba, donde actuaban las figuras de blues más importantes que pasaban por la ciudad. Pero fue a partir de los años cincuenta cuando monopolizaron todas la grabaciones de música negra que se hacían en Chicago, la cuna del blues eléctrico en América. Los hermanos Chess sin lugar a dudas se aprovecharon del talento de cientos de músicos negros que grabaron en su sello. La situación de los afro-americanos en los años cincuenta era complicada ya que vivían en una sociedad segregada donde apenas tenían oportunidades para triunfar en la vida y salir de su miseria. A la discográfica la llamaban Cadillac Records por regalar coches de esta marca a sus artistas más importantes. Sin embargo apenas recibían dinero en metálico por los royalties que generaban la venta de sus discos. Durante gran parte de la década de los cincuenta crearon el estándar en el que se basaría la musica rock and roll y el blues a partir de entonces. Tuvieron en nomina a los más grandes de la música negra que serian la influencia fundamental en la música popular moderna. Ya en los años sesenta empezó el declive de la compañía debido al empuje de la evolución de los estándares en los que se basaba y al cambio de las modas musicales. En 1969 los hermanos Chess vendieron la compañía al sello General Recorded Tape por 6,5 millones de dolares. Poco después Leonard, alma mater del sello, moría de un ataque al corazón.
En la nomina de Chess Records han estado artistas como Muddy Waters, Willie Dixon, LittleWalter , Howlin' Wolf, John Lee Hooker, Bo Diddley, Chuck Berry, Etta James, Koko Taylor y tantos otros que han supuesto la semilla en la que se basó gran parte de la música de final del siglo XX. La compañía evolucionó también en la consecución de los derechos civiles por parte de los afro-americanos en los Estados Unidos. La música negra triunfó no solo entre los de su raza sino también entre los jóvenes blancos y esto ayudó en la normalización de la sociedad americana. Cabe destacar que fue en Europa, en concreto en las islas británicas, donde se produjo el mayor reconocimiento a estos artistas en los años sesenta. Los blancos triunfaban en América haciendo música de negros y estos artistas cayeron en el ostracismo. Fueron grupos como The Beatles, The Rolling Stones, John Mayall, Fleetwood Mac, Cream, The Who, Small Faces entre otros los que reivindicaron a los músicos negros como sus influencias fundamentales. Chess Records fue el laboratorio donde se fraguó la leyenda que aun perdura hoy en día, el rock and roll.


Muddy Waters - I Can't Be Satisfied



Howlin Wolf - Killing Floor



Chuck Berry - Maybellene



Etta James - I'd Rather Go Blind

Sommers Town, la vida en la periferia

Suele ser habitual en el cine británico realizar películas de carácter realista y con un trasfondo de denuncia social. Directores que han abordado en sus obras la realidad británica de una u otra forma son Ken Loach, Mike Leigh o Stephen Frears entre otros. La obra de Shane Meadows encaja perfectamente con este tipo de cine. Ya con su anterior largometraje This is England (2006), nos contaba una historia de skin Heads ambientada en los años más duros del gobierno Tatcher. Ahora en su ultimo filme nos propone otra historia que se desarrolla en un barrio de la periferia de Londres.
Sommer Town, realizada en el 2008, nos narra la historia de dos adolescentes. Tommo es ingles y se ha escapado de su casa en el norte del país. Marek es inmigrante, polaco para ser exactos, y vive en compañía de su padre en un barrio al norte de Londres, Sommers Town. Ambos traban amistad tras una pequeña escaramuza con unos gamberros y Marek acoge en su casa a Tommo sin que el padre de este se entere. A partir de este momento pasarán juntos el mejor verano de sus vidas, descubriendo el amor, la amistad y la solidaridad y huyendo de la soledad de sus vidas.
Sommers Town refleja de una forma amable y con tono de comedia la realidad de los suburbios de las grandes ciudades. La soledad y el desarraigo de los protagonistas provocarán que se creen lazos afectivos entre ellos que serán el motor de todo el filme. El guión está realizado por un colaborador habitual de Meadows, Paul Fraser, y en el se combinan perfectamente los elementos dramáticos y los de comedia. La película en principio estaba prevista como si fuera un cortometraje pero finalmente tras ir poco a poco añadiendo ideas, se convirtió en un largometraje aunque de tan solo 75 minutos de duración. La fotografía realizada por Natasha Braier está practicamente rodada en blanco y negro, en perfecta consonancia con la vida gris que se vive en el barrio en el que se desarrolla el filme. La banda sonora de corte intimista corre a cargo de Gavin Clark y Ted Barnes, componentes del grupo de música alternativa y folk Clayhill. Este grupo ya realizó algunas canciones para anteriores trabajos de Meadows, en especial una versión de la canción de The Smiths Please, Please, Please Let Me Get What I Want para la cinta This is England. Los dos actores principales están estupendos, destacando el actor Thomas Turgoose en el papel de Tommo. Turgoose fue también el actor principal de This is England y tuvo ya un reconocimiento por ese trabajo en la crítica.
En resumen diría que Sommers Town es una estupenda película con dosis adecuadas de cine social, comedia y drama. Una cinta que reivindica valores que se pierden en nuestra sociedad, sobre todo en la soledad de las grandes ciudades.

Somers Town Trailer (2008)

Pete Dello And Friends, Into Your Ears

Pete Dello hizo en 1971 uno de los álbumes más enigmáticos de la historia de la música, Into Your Ears. Son varias las razones que me obligan a hacer esta afirmación. La primera es que se trata del primer y último álbum del artista en solitario. A partir de la salida del disco Pete Dello se retiró de la música dedicándose a la docencia y al estudio musical. La segunda es que se trata de álbum con una producción y unos arreglos hechos al milímetro. El propio Pete Dello dotó al disco de una atmósfera pop y folk realmente singular. Tanto las voces como los instrumentos están en perfecta armonía formando un conjunto barroco lleno de matices y colores clásicos. Sin duda se notan las influencias del pop británico más genuino como la de los Kinks de finales de los sesenta o el Sgt. Pepper's de los Beatles. Por supuesto no faltan los toques psicodélicos, pero bien administrados, esto hace que el disco mantenga su vigencia hoy en día como una obra atemporal. Lo cierto es que Pete Dello ya saboreó las mieles del éxito en su anterior etapa dentro de otra formación de culto, los Honeybus. En cuanto consiguieron entrar en el top ten en 1968 con I Can’t Let Maggie Go, Pete Dello abandonó el grupo quizás abrumado por la fama y su falta de entusiasmo de salir de gira para promocionar el álbum. El grupo se codeaba con los grandes conjuntos de pop psicodélico de finales de los sesenta ingleses como The Zombies, The Move, The Kinks o The Hollies. Pete Dello dejó la formación y esta se desintegró al no poder cubrir la baja de su compositor y cantante. Después de esto, anduvo en distintos combos y trabajó como músico de estudio antes de acometer la grabación de Into Your Ears. Pete Dello considerado un minucioso artesano de estudio, grabó un disco de una apariencia sencilla pero de una extrema complejidad. Este disco lo descubrí mediante el libro de Juan Vitoria del que os hable hace poco, es una de las licencias que se permitió el escritor. El disco a pesar de no tener demasiada repercusión en el momento de su salida al mercado, actualmente esta considerado como un disco de culto.
Pete Dello creó una pequeña obra maestra que afortunadamente ha ido saliendo de su ostracismo y se ha reeditado en CD por Hanky Panky Records. Si la queréis descargar directamente se encuentra en esta dirección. Como he leído en algún crítico en Internet, Pete Dello es una especie de Syd Barrett pero en cuerdo, aunque la cordura sea difícil de evaluar, ¿no os parece?.


Pete Dello And Friends - It's What You've Got (1971)



Pete Dello And Friends - Hold Up, Fold Up [bonus track] (1971)



Pete Dello And Friends - Do I Still Figure In Your Life (1971)



Honeybus - I Can't Let Maggie Go (1968)

Ryan Bingham, un nuevo cowboy

Hace poco os hablaba en un post sobre el cantante norteamericano Grayson Capps. Mi amigo Santi después de leerlo me recomendó otro artista de parecidas características asegurándome que me iba a gustar. La verdad es que no se equivocó, Santi me conoce bien, y aquí estoy hablándoos de Ryan Bingham. La verdad es que con el acceso que tenemos al mundo mediante Internet todas estas cosas se simplifican mucho, quizás se banaliza el hecho de consumir música, pero tiene grandes ventajas.
Ryan Bingham es un muchachote de Nuevo México que se mueve en los territorios del llamado country alternativo o americana. Tan solo tiene 28 años y ya tiene cuatro discos a sus espaldas en un estilo que no se destaca por las ventas multitudinarias. Bingham pertenece a esa clase de tipos rudos que cantan con el polvo del desierto en su garganta. Las letras de sus canciones son aridas y realistas, un reflejo de su vida. Ryan Bingham ha crecido dentro de la típica familia desestructurada del medio oeste americano y ha llevado una existencia errante desde muy joven ya que se dedicaba a montar toros en el circuito de rodeos. Sin duda eso ha endurecido y marcado el carácter de este cantante del que dicen algunos críticos que su voz se asemeja a un cantante de más de cincuenta años a pesar de su juventud. Esta sensación se palpa en la primera escucha, se oyen ecos del Dylan más eléctrico, de Steve Earle o Drive-By Truckers. Dato significativo es que sus dos ultimos discos han sido producidos por el gran guitarrista y excomponente de los Black Crowes Marc Ford. Tras dos discos en la modesta compañia tejana Lone Star Music, Wishbone Saloon en 2004 y Dead Horses en el 2006, ficha por Lost Highway Records y saca otros dos discos, Mescalito del 2007 y Roadhouse Sun en el 2009.
Sin duda habrá que seguir de cerca a este cantante de carretera, con la voz labrada en bourbon y cigarros sin boquilla. No sería estraño que si fuéramos a cualquier bar de carretera en cualquier highway sonara en la jukebox algún tema de este rudo vaquero.


Ryan Bingham - Southside of Heaven from the album Mescalito (2007)




Ryan Bingham - Take it Easy Mama from the album Mescalito (2007)




Ryan Bingham - Dylan's Hard Rain from the album Roadhouse Rain (2009)

Down By law, Jim Jarmusch en estado puro

Jim Jarmusch es uno de los directores norteamericanos con más personalidad de los últimos veinticinco años. Durante toda su trayectoria ha rodado de espaldas a Hollywood sin seguir los criterios que imponen las grandes productoras. Finalmente ha conseguido crear un estilo personal que gracias al reconocimiento de la critica se ha mantenido con más o menos asiduidad en el candelero cinematográfico. Su carrera en el cine comenzó como ayudante del gran realizador Nicolas Ray después de terminar sus estudios en la prestigiosa New York University Film School a finales de los años setenta. Junto a el estudiaron grandes directores actuales como Tom DiCillo o Spike Lee.
En 1986 rodó su tercer largometraje titulado Down by Law. Se trata esta de una comedia con ribetes de cine negro que cuenta la historia de tres convictos que deciden fugarse de la prisión en la que están confinados. Estos cuentan con personalidades muy distintas pero que tienen en común el haber fracasado en sus propias vidas y el de encontrarse encerrados injustamente. La película está interpretada por John Lurie en el papel de proxeneta fracasado, Tom waits como Dj inadaptado y Roberto Benigni haciendo de emigrante italiano con perpetuo buen humor. Los tres están esplendidos y consiguen una química entre ellos muy particular en la que pivota todo el filme. La fotografía es uno de los puntos fuertes de la cinta. Está realizada en blanco y negro por el fotógrafo holandés Robby Müller, habitual en los trabajos de Win Wenders y en los siguientes trabajos de Jim Jarmusch. La música de la película está compuesta por el actor John Lurie con un par de canciones Tom Waits. Retrata perfectamente la atmósfera nocturna y jazzistica de Nueva Orleans, aportando ese ingrediente fundamental que busca Jarmusch en todas sus obras.
La atmósfera nocturna y canalla de la ciudad de Nueva Orleans así como en los pantanos de Louisiana son uno de los grandes aciertos de la película. Jim Jarmusch trata el genero carcelario de una forma distinta a como habitualmente se ha tratado en el cine. Se despoja de mostrar tópicos como la vida carcelaria o la fuga y se centra en el microcosmos que se forma en la celda. Cambien experimenta en el terreno de las road movies durante toda la huida a través de los Bayous, donde la evolución de los personajes y la búsqueda de sus propios destinos cobra la mayor importancia. Down By law demuestra que para hacer cine inteligente y de gran calidad no hace falta tener un gran presupuesto. Solo se necesita tener una buena idea, arriesgarse en su propuesta y sobre todo tener talento y de eso Jim Jarmusch está sobrado.


Down By law Trailer, 1986

Los 100 mejores discos del rock, según Juan Vitoria

El libro Los 100 Mejores Discos Del Rock escrito por Juan Vitoria se convirtió allá por el 1998 en uno de mis libros de referencia para conocer algunos de los grupos y discos más importantes de la música popular. La falta de Internet y el difícil acceso a gran cantidad de álbumes, que ni siquiera se habían editado en CD, hacia que las guias de referencia y las revistas cobrasen gran importancia. Para la música que sonaba en esos momentos no había tanto problema, sonaba en las radios, se pasaban videoclips en televisión y giraban los grupos de vez en cuando por tu ciudad. Pero si hablamos de arqueología musical la cosa se complicaba más. Para los grandes interpretes no había tantos problemas, pero para los grupos o artistas menos consagrados resultaba difícil hacerse con alguno de sus discos. Siempre estaba la opción del tengo un amigo que tiene un amigo o las cintas de cassette rulando de un lado a otro. Algo parecido al P2P de ahora, pero la transacción no era virtual, era real.
Siempre me ha resultado un gran placer leer libros de música o cine. Los que seguís este blog habitualmente os habéis podido dar cuenta. Conocer las opiniones y los gustos de gente que tiene algo que aportar siempre me ha encantado. Me gusta entrar en una tienda, ojear los libros y poder descubrir cosas nuevas. Casi siempre termino cayendo en la tentación y comprando alguno, teniendo que elegir normalmente entre varios que me gustan y dejando alguno interesante muy a mi pesar.
El libro que os comento de Juan Vitoria no creo que se pueda encontrar en la actualidad, la edición que poseo es de 1998. Mirando por Internet para poneros un enlace no he encontrado nada, solo menciones. Juan Vitoria es crítico musical y dueño de una tienda de discos especializada en Valencia. Se trata pues de un melómano, en su libro cita a su hija dedicándoselo y esta se llama Arizona Dylan, ahí queda eso. Ha escrito algún libro musical más de los que no tengo referencias. Como en todos los libros que enumeran los mejores discos sea del estilo que sea, hay obviedades y pequeñas licencias del autor. Un trabajo así siempre resulta subjetivo y cada uno podría realizar sus propios 100 mejores discos del rock sin que coincidiese con otra persona al 100%. En general y visto más de diez años después, la mayoría de las propuestas no han perdido vigencia pero sin duda habría que incluir a algunos discos de los años noventa y de este siglo. La catalogación del libro solo nos habla de obras hasta finales de los años ochenta. En el índice podemos ver que el esquema en el que se ha basado para ordenar la obra es por tiempo. Comienza en los años cincuenta y terminaen los ochenta, haciendo referencia a los estilos que imperaban en aquellos años, por ejemplo los años sesenta los divide en una primera época titulada "R&B y Beat, la respuesta británica" y la segunda mitad llamada "Psicodelia, lo más florido". El libro tiene un tamaño bueno para lucir buenas portadas y fotografías en un brillante Papel Glossy. Los textos de Juan Vitoria son amenos y ofrecen multitud de anécdotas y datos de los álbumes y artistas de los que habla.
Como dice el autor en la contraportada "Este es un libro en el que se habla de sonidos, de maquinaciones artísticas y de rock en todos sus conceptos" y a mi me ha ayudado en profundizar y conocer mejor la más importante revolución musical del siglo XX que dura hasta nuestros días.

II Andoaingo Jaialdia 2009

El sábado en Andoain se celebró el Andoaingo Jaialdia en su segunda edicion. Para este año los organizadores han presentado en la plaza Nafarroa y con entrada gratuita a bandas como Chesterfield Kings y Roy Loney & Señor No como cabezas de cartel, los veteranos Downliners Sect, los Phantom Surfers, Los Creyentes e Ivan Julian acompañado de los argentino-bilbainos Capsula.
Los Phantom Surfers no tuve ocasión de verlos pero según me contaron sonaron flojos, por lo que creo que no me perdí gran cosa. De Los Creyentes no tengo ni una referencia, será en otra ocasion.

Llegué con la actuacion de los Downliners Sect ya empezada, mas o menos a mitad de su concierto. Lo que vi de ellos no me gustó demasiado, se les notaba ya muy pasados de vueltas, es una banda muy veterana y encima no se les notaba en forma. Hicieron un r&b sesentero muy gastado y verbenero, incluso en la versiones de Berry o Diddley no estuvieron bien. Mas que un concierto de rock parecía un grupo tocando para veraneantes de un club ingles en el Algarve o Benidorm. Son gente que lleva muchos en el negocio, se formaron en 1963, y varios de ellos han tocado con los grandes pero supongo que los años no perdonan para algunos.

Downliners Sect

Los siguientes en tocar fueron el experimentado musico norteamericano Ivan Julian acompañado de la banda bilbaino-argentina Capsula. Julian fue miembro de grupos como The Foundations, The Outsets, Lovelies o del grupo mítico de punk-rock Richard Hell and the Voidoids y ahora anda girando por Europa con Capsula. La actuación que ofrecieron resultó potente, en línea con los Stooges, Velvet Underground o los mencionados Richard Hell and the Voidoids. El grupo hizo versiones de Richard Hell and the Voidoids como Love Comes in Spurts o el Crosstown Traffic de Jimi Hendrix y el público disfrutó del show.

Ivan Julian & Capsula

Despues de una parada para el bocadillo, tenido en cuenta por la organizacion, salieron a escena el Primer cantante y miembro fundador de los esplendidos Flamin' Groovies con el grupo donostiarra Señor No. La expectación era grande por ver en acción a Roy A. Loney, autor y protagonista de la primera época de una de las bandas más añoradas del rock y a decir verdad no defraudó. A pesar de su aspecto inicial de vendedor de seguros con peinado del Principe de Beukelar, Loney nos ofreció un excelente concierto de rock and roll. Repasó algunos de los mejores temas de los Groovies como High Flyin' Baby, Teenage head, Second cousin o Headin' for the Texas Border. La audiencia se entregó desde el principio lo que provocó que Loney se fuera calentando a lo largo del show, empezandose a quitar parte de su vestimenta y bailando como un poseso al ritmo de la música. La voz de Loney se encontraba en plena forma y su espíritu de rocker seguía intacto a pesar de los años. Para terminar la actuación, en el bis, realizaron una versión abrasiva de Slow death con Loney por los suelos retorciéndose con espasmos variados. Parece que hay Loney para rato, esperando que sus últimos encuentros con Jordan se fructifiquen en algo positivo.

Roy Loney & Señor No

Para terminar el festival tocaron los new yorkinos Chesterfield Kings con su rock garage revival. Pero desgraciadamente nos dieron un recital bastante mediocre. Autores de grandes discos como Here are the Chesterfield Kings o Let's Go Get Stoned, tocaron un repertorio deslavazado y con un sonido mediocre. La voz de Greg Prevost sonaba muy por encima del resto y más que cantar maullaba. Solo se preocupaba de tener bien colocado su look stoniano más que de ofrecer un buen show. Entre canciones, la charla de Greg Prevost era infumable, además de estropear microfonos por estar bajando del escenario al público varias veces. La gente se empezó a cansar y empezó a abandonar el recinto según avanzaba la actuacion. Aguanté hasta el final aunque no me quedé a los bises, que los hubo.

Chesterfield Kings

Un mal cierre para un festival, que aunque irregular, resultó interesante y gratis.

Les Negresses Vertes

En los años ochenta en Francia hubo un resurgimiento del rock francés que llego a traspasar sus propias fronteras. Se trataba de un rock alternativo, en muchos casos mestizo, que nacía de la mezcla de ritmos y culturas que habían impregnado el país galo desde el comienzo de la inmigración en los años sesenta. Los hijos de esos inmigrantes se habían adaptado a la cultura francesa pero aportando las influencias de sus raíces. Mano negra, Les Satellites, Zebda, Los Carayos, Les Negresses Vertes o los Gypsy Kings hicieron resurgir al casi siempre adormilado rock francés. De entre ellos siempre he sentido una predilección por Les Negresses Vertes. Su mezcla de estilos, desde el punk, la chanson, el flamenco, la musica sudamericana, los ritmos árabes o el lounge me han parecido un coktel divertido e interesante.
Les Negresses Vertes se formaron en 1987 en París con una formación de 8 componentes. Eran un grupo de amigos que incluso algunos no sabían tocar ningún instrumento pero que empezaron a tocar en clubes de la noche parisina. Sumaron instrumentos poco frecuentes en el rock como el trombón, el acordeón o la trompeta lo que les imprimía un sello particular. Sus letras irónicas y su musica festiva era propicia para ser interpretada en esos clubes parisinos, llenos de humo, alcohol y gente de vida canalla. Sacaron su primer disco en 1988 titulado Mlah obteniendo un éxito significativo en Francia y llegando a traspasar fronteras sobre todo en el Reino Unido. Tras la salida de su segundo Lp, Famille Nombreuse (1991), la tragedia llega al combo con la muerte de su carismático cantante Helno por una sobredosis en 1993. A partir de ese momento el grupo evoluciona en lo musical y en sus componentes, algunos de ellos abandonan la formación y su siguiente disco, Zig-Zague (1994), tiene un carácter más latino. En la ultima época, Les Negresses Vertes, han ido encaminándose hacia posicionamientos más electrónicos y lounges como se ve en Trabendo (1999) y en el maravilloso álbum grabado en falso directo Acoustic Clubbing (2001).
En la actualidad, desde 2006 que sacan un grandes éxitos, no se sabe nada de ellos. Parte de sus componentes están enfrascados en proyectos en solitario, como el cantante y compositor Stéfane Mellino que sigue la linea musical de los últimos años del grupo.
Escucha Les Negresses Vertes y que empieza la fiesta...


Les Negresses Vertes - Zobi La Mouche 1988




Les Negresses Vertes - Voilà l'été



Les Negresses Vertes - Sous le soleil de Bodega 1990



Les Negresses Vertes - Face à la mer 2003

El Hijo De Rambow

Garth Jennings, autor de la ambiciosa Guía del autoestopista galáctico (2005), en su segunda película, El hijo de Rambow (2007), trata temas más de este mundo que de galaxias lejanas, pero sigue sin abandonar la parodia y el buen humor.
El argumento de la película gira en torno a un par de niños a punto de entrar en la adolescencia, que en plena década de los ochenta deciden hacer un remake casero de la película Acorralado puesto que son grandes admiradores de Rambo, alter ego de Sylvester Stallone. A partir de esta premisa Jennings construye un cuento que navega entre lo real y lo imaginario, donde la fantasía se topa con la cruda realidad y viceversa. El guión, bien construido, es del propio Jennings, por lo que se dejan entrever aspectos autobiográficos en él. De entre los actores, destaca la interpretación del dúo protagonista por encima de los de mayor edad.
En El hijo de Rambow se mezclan diversos ingredientes que dan como resultado un cocktel bastante apetecible. Por un lado se retrata el universo de la infancia casi en la etapa de la adolescencia representado por los protagonistas, donde imperan la fantasía y la amistad. Otro sería el homenaje que se hace al cine, sobre todo al cine fresco y amateur, ese cine que se hace con el corazón, en contraposición al cine con mayor peso de la producción. El reflejo de una época, en este caso los años ochenta, tiene también su peso y está muy conseguido, con éxitos musicales de esa época sonando, los peinados y la vestimenta excesiva o los Peta Zetas con Coca Cola. Por último, destacaría la realidad social en la que viven los protagonistas, donde se dan conflictos religiosos o problemas familiares por la falta de una figura paterna. Quizá sea este elemento el menos conseguido del filme, ya que se desarrolla de forma bastante rutinaria y con happy end incluido.
Ciertamente, diría que El hijo de Rambow es una película amable, que no provoca grandes carcajadas aunque sí una sonrisa constante, más aún a quien ha vivido su adolescencia en los ochenta.


El Hijo De Rambow (Son Of Rambow) 2007 - Trailer V.O

Love y Arthur Lee

En el apogeo cultural de mediados de los sesenta nacían y crecían multitud de propuestas musicales que evolucionaban la música popular. En Inglaterra nacía el beat y el r&b de la British Invasion, en Nueva York se formaba la escena folk del Greenwhich Village y en la costa oeste se gestaba el sonido psicodélico de San Francisco y Los Ángeles. En esta ultima ciudad se formo una de las bandas más innovadoras e influyentes de la década, Love. Love estaba capitaneada por Arthur Lee, un músico con un carisma y un talento fuera de lo común. Le acompañaba en el apartado creativo el excelente guitarra y ex-roadie de los Byrds Bryan Maclean. El grupo revolucionó el ambiente musical de la ciudad de Los Ángeles, tocando habitualmente en los grandes clubes de la ciudad incluso antes de firmar un contrato discográfico. Arthur Lee impulsó la carrera de los Doors y era habitual el verle junto a gente como Mick Jagger, Jimi Hendrix o Bob Dylan. En 1966 y tras fichar por la compañía Electra, sacan su primer disco llamado Love. En el se empiezan a ver las influencias que tenían del folk-rock de los Byrds y del r&b de los grupos ingleses. Ya en sus siguientes trabajos se empieza a vislumbrar una fusión de estilos con la que formarían el sonido característico del grupo. Da Capo aparece en 1967 mostrando unas composiciones que rebosan psicodelia pop y energía rock. Se trata de un disco esplendido que anticipa a su gran obra maestra y uno de los discos fundamentales del rock, Forever Changes. Forever Changes sale a la venta a finales de 1968. Este álbum con el paso de los años se ha convertido en una obra maestra de la historia del rock. No tuvo demasiado éxito en el momento de salir al mercado, quizás por que se trataba de una obra adelantada a su época. Está grabado en parte en formato semi-acústico en una atmósfera pop con aromas flamencos y folk. La producción del disco fue del propio Lee, siendo esta muy cuidada, con arreglos orquestales y barroca en su conjunto. A partir de este disco se puede decir que tocaron techo pero aun así sacaron buenos discos hasta la disolución del grupo en 1974. Los problemas con las drogas de algunos de sus componentes y el carácter especial de Lee hizo que por la banda pasasen multitud de miembros hasta su fin. Arthur Lee continuo con su carrera en solitario sacando algunos discos apreciables pero nunca logró alcanzar las cotas de sus primeros trabajos.
Gran cantidad de artistas consagrados se han declarado deudores de la música de Love. Jimi Hendrix además de colaborar con Lee la declaró su banda favorita. Robert Plant dijo de Forever Changes que es su álbum favorito de los sesenta. Seguro que ellos no pueden estar equivocados.

Love - My Little Red Book From Love 1966



Love - She Comes In Colors From Da Capo 1967



Love - Alone Again Or From Forever Changes 1967



Love - Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale From Forever Changes 1967



Love - Wonder People (I Do Wonder) From Forever Changes 1967



Love - Everybody's Gotta Live From Reel to Real 1975

El Otro, de Robert Mulligan

Robert Mulligan es uno de esos primeros directores junto con Sidney Lumet o John Frankenheimer que dio el salto al cine a través de la televisión. Entre sus obras más destacadas destacan la oscarizada Matar a un ruiseñor de 1962, La noche de los Gigantes de 1969 o Verano del 42 de 1971. En toda su filmografía destacan su manera depurada y clásica de rodar, la creación de atmósferas cerradas, y el trasfondo psicológico que poseen todos sus personajes. La importancia de la infancia y la adolescencia es palpable en sus obras, usando este universo como motor de algunas de sus películas. Entre ellas, destaca por su complejidad y riesgo la cinta El Otro, estrenada en 1972.
El Otro es un filme de terror psicológico acorde con la moda de esos años, donde brillaban obras como como La semilla del diablo o El Exorcista. El terror que produce el filme no viene dado por efectos especiales o sustos repentinos, sino por su atmósfera densa y por el desasosiego que produce ir descubriendo la verdad a lo largo de la trama. La fotografía colorista y luminosa de Robert L. Surtees proporciona un ambiente bucólico aunque opresivo a la cinta. La música de Jerry Goldsmith es el complemento perfecto para mantener la tensión de cada fotograma. El guión, escrito por Tom Tryon y adaptado de su propia novela, es un alarde de habilidad técnica para mostrarnos poco a poco la realidad sin caer en las trampas habituales de este tipo de obras. El elenco de actores es estupendo, destacando los niños gemelos que también lo eran en la realidad. El argumento cuenta la historia de dos hermanos gemelos en la América rural de los años treinta en el seno de una familia donde la madre sufre una fuerte depresión, el padre falleció en un accidente y la abuela se hace cargo de ellos.
En definitiva, estamos ante una obra elaborada, donde cada pequeño detalle tiene importancia y que engancha desde el principio. La maldad en el universo de la infancia pocas veces ha sido retratada como lo hizo Mulligan en su película. Absolutamente recomendable para los amantes del cine de terror psicológico.



The Other (1972) Trailer

Flamin' Groovies, en el peor momento y en el sitio equivocado

El 20 de Junio se celebra en Andoain el II Festival Rock. Además de grupos interesantes de rock and roll como The Chesterfield Kings o Downliners Sect, actúa Roy Loney uno de los artífices de uno de los grupos de rock and roll más interesantes de la escena de San Francisco de finales de los años sesenta, los Flamin' Groovies.
Flamin' Groovies se formó en el año 1965 con el mencionado Roy Loney (voz y guitarra), Cyril Jordan (guitarra), Tim Lynch (guitarra), George Alexander (bajo) y Danny Mihm (bateria). Sus comienzos en la ciudad hippy de la costa oeste fueron prometedores; el mundo estaba en plena efervescencia por la British Invasion y los Groovies hacían una música basada en el rock and roll clásico y básico que triunfaba en el momento. El peso de la composición lo llevaban Roy Loney y Cyril Jordan, el primero con influencias más rockeras y el segundo con un tono más pop. En 1968 sacaron un primer Ep titulado Sneakers que tuvo cierta repercusión, por lo que ficharon por la multinacional Epic. Su primer Lp salió en 1969 y se llamó Supersnazz y fue un fracaso comercial a pesar de ser un estupendo disco de rock and roll. En aquellos momentos la ciudad de San Francisco hervía en la psicodelia y el rock progresivo por lo que los Flamin' Groovies resultaban anticuados y carcas para el gusto de los críticos. Despedidos de Epic, recalaron en una compañía más pequeña llamada Kama Sutra que quizás ni les entendió ni supo que hacer con los dos siguientes trabajos del grupo. Flamingo en 1970 y Teenage Head en 1971 son dos álbumes que han resistido el paso del tiempo convirtiéndose ambos en discos de culto del rock and roll y R&B de principios de los setenta. Para más inri el gurú de la movida musical de San Francisco, Bill Graham, les odiaba. Según Jordan por haberle pillado pasando drogas, en conciertos organizados por Graham, a gente como Jimi Hendrix o los Cream. Estos dos nuevos trabajos estaban muy influenciados por el sonido de Detroit que representaban MC5 o los Stooges. Poco después, en 1971, Roy Loney abandona el grupo y el dúo compositor se deshace, siendo Jordan el que lleve el peso a partir de entonces. Con Jordan el grupo evoluciona a un sonido más melódico, más sixties y emprenden una migración a Europa que les reportará un cierto éxito como banda de culto. En estos años sacaron estupendos discos pop en plan revival como Shake Some Action en 1976 y Now en 1978. Por la calidad de estos trabajos deberían de haber tenido mucha más repercusión que el que tuvieron pero en pleno estallido del punk otra vez los Flamin' Groovies se encontraron fuera de onda. El grupo ha continuado hasta ahora, con distintos componentes y con trabajos que no alcanzan el nivel artístico de sus obras anteriores. Cyril Jordan es el único componente que se ha mantenido en el grupo permanentemente y se rumorea que pueda existir un encuentro serio con Roy Loney para realizar algún proyecto nuevo.
En el Azkena del 2004 presencié el concierto de los Flamin' Groovies aunque solo con Jordan como miembro original. Fue un concierto muy flojo para lo que se esperaba de ellos. Al día siguiente, en el homenaje a Johnny Cash, estuve junto a Jordan presenciando los conciertos de ese día, donde tocaba uno de sus ídolos, el cantante y guitarrista de los Byrds Roger McGuinn. Iba vestido con uniforme de Beatle y coreaba y aplaudía cada canción de McGuinn. Seguía manteniendo esa actitud y glamour que se espera de una estrella del rock. A poco que la suerte les hubiera acompañado a los Groovies, hubieran sido grandes, muy grandes.

Flamin' Groovies - Laurie Did It 1969



Flamin' Groovies - Headin' for the Texas Border 1970



Flamin' Groovies - High flyin´baby 1971



Flamin' Groovies - Shake Some Action 1976

El Director Es La Estrella I, conversaciones con Peter Bogdanovich

Peter Bogdanovich es uno de los mejores conocedores de los entresijos de la industria de Hollywood en su época dorada. Durante los últimos cincuenta años ha desarrollado un trabajo de arqueología cinematográfica y lo ha plasmado en una sucesión de libros que tratan sobre la historia del cine americano visto por la mirada de sus protagonistas. Ha realizado monográficos sobre importantes directores como Orson Welles, Howard Hawks, Alfred Hitchcock o John Ford entre otros y recopilado cientos de entrevistas con directores, actores u otros personajes relacionados con el universo Hollywoodiense. La relación de Bogdanovich con el cine no se reduce solamente a escribir libros. Comenzó su carrera como actor en los años cincuenta junto a Warren Beatty en la célebre academia de Stella Adler en Nueva York. A principios de los sesenta, su pasión por el cine le llevó a trabajar como crítico cinematográfico en diversas publicaciones. Alcanzó cierta notoriedad en los círculos cinéfilos por su defensa de directores olvidados del viejo Hollywood. Como no podía ser de otra forma y gracias a la factoría de Roger Corman, Bogdanovich se convirtió en director de cine y realizó varias películas en los años setenta que le encumbraron como una de las promesas del cine norteamericano. El magistral drama La última película de 1971 y Luna de papel en 1973 son ejemplos del buen hacer de Bogdanovich en la realización. A partir del final de la década de los setenta su popularidad como director decayó y aunque ha continuado realizando películas con cierta regularidad, no ha conseguido alcanzar el nivel de sus primeros filmes exceptuando un gran documental que realizó en el 2008 sobre Tom Petty titulado Runnin' Down a Dream.
Uno de sus libros más interesantes es el titulado El director es la estrella ( Who The Devil MadeIt: Conversations with Legendary Film Directors) de 1997. La obra de la que os hablo es el primer volumen, editado en España por T&B Editores en el 2007, donde el autor nos transcribe las conversaciones y entrevistas que realizó a directores de la talla de Allan Dwan, Raoul Walsh, Fritz Lang, Josef von Sternberg, Howard Hawks y Alfred Hitchcock. En una larga introducción, Bogdanovich nos cuenta el proceso y reflexiones personales sobre los encuentros con sus entrevistados. En estas conversaciones se pone de manifiesto la adoración y el respeto que siente el escritor por los pioneros del séptimo arte en el Hollywood de la primera época. En el libro se cuentan mil anécdotas y datos de interés que hacen las delicias de cualquier cinéfilo y se muestra el modo de hacer cine que tenían los viejos maestros.
Para terminar este post, nada mejor que hacerlo con una reflexión de uno de los grandes del cine, Allan Dwan:

"En las películas, lo importante son los nombres. No es la interpretación per se, como se hace en el teatro. Traes a un chaval y resulta que hace arder la pantalla; un chico o una chica que te impactan al instante. Eso era lo que buscábamos; una cierta cualidad fotográfica, un algo misterioso y oculto que tienen algunas personas..."

Grayson Capps

Grayson Capps tiene duende. El duende que tienen los grandes cantantes de rock, blues y folk de los Estados Unidos. Supongo que con ello se nace, aunque gran parte del mérito lo tiene el haber nacido en Alabama y crecer viendo a tu padre y sus amigos emborracharse en el porche de casa, contando viejas leyendas del sur y tocando canciones de Hank Williams, Glen Campbell o Woodie Guthrie.
Sus inicios en la música comienzan en universidad, formando varios grupos con cierta repercusión local. Después de graduarse se convierte en okupa y empieza su carrera en solitario dando conciertos de garito en garito. Hasta que la cineasta Shainee Gabel, antigua amiga de Grayson, descubre una novela de su padre, Ronald Everett Capps, titulada Off Magazine Street y decide llevarla al cine con el título de A Love Song for Bobby Long (Una canción del pasado 2004). La novela narraba las andanzas de su padre y sus amigos en el porche de su casa en su Alabama natal, cuando Grayson crecía en aquel ambiente que posteriormente reflejaría en sus canciones. El propio Grayson Capps realizó cuatro temas, incluido el principal, y participó brevemente en el filme. A partir de entonces fichó por una compañía discográfica y sacó su primer disco If You Knew My Mind en el 2006. Pero la tragedia del huracán Katrina llegó a New Orleans. Esto unido a la presión de su discográfica por sacar nuevo álbum, provocó que Grayson lo abandonase todo y se recluyera con su mujer y su hijo en una granja en Tennessee. Allí encontró la paz y ha sacó dos discos más, grabados en su propio estudio casero y con su mujer Trina Shoemaker como co-productora. Wail & Ride de finales del 2006 y posteriormente su último trabajo Rott ‘N’ Roll en el 2008.
Grayson Capps es un trovador del sur, en su música aparecen borrachos, prostitutas y maleantes que forman parte de la leyenda canalla del Southern Rock. Se maneja perfectamente en estilos con raíces, como el country rock, el blues o el sonido Bayou. En su música aparecen influencias de Townes Van Zandt, TomWaits, Warren Zevon o tantos otros, pero Grayson sabe imprimir su sello personal en sus composiciones. En muchas de sus canciones, Grayson Capps retrata a perdedores, a la miseria o la mala fortuna pero siempre acaba buscando la humanidad de las cosas.
En propias palabras de Grayson Capps:

“How many times must it be said? Though blood runs blue, you still think it’s red, because that’s how it appears when it hits oxygen. Our life is an illusion, and we create the confusion, so take a dose of seclusion to dilute the delusion. And hope that it’s not in vein that we look into the spheres of the fear-fruit bearing tree before we eat again.”

Grayson Capps - Washboard Lisa & A Love Song For Bobby Long from film A Love Song For Bobby Long



Grayson Capps - New Orleans Waltz



Grayson Capps - Get Back Up & Big Ol' Woman



Grayson Capps - Mermaid

El Bueno, El Malo Y El Raro, tallarín Western

El cine coreano se viene destacando en los últimos años como una potencia emergente en el mercado asiático. Su industria ha sido capaz de tratar de tú a tú a gigantes asiáticos de la industria del cine como son la industria japonesa y las producciones de Hong Kong. Es curioso que incluso las grandes producciones americanas evitan estrenarse en el país asiático a la vez que las coreanas, ya que estas arrasan en taquilla y su cuota de pantalla es muy superior a la del cine extranjero que se proyecta. En los últimos años y al cobijo del éxito en su propio país han aparecido gran cantidad de realizadores, actores y actrices que han traspasado sus propias fronteras y han puesto a la cinematografía coreana en la cresta de la ola. Dentro de la industria coreana se pueden distinguir dos vertientes, una enfocada al cine mas intimista y de autor con ejemplos como Ki-Duk Kim, Lee Chang-dong o Hong Sang Soo y otro con un enfoque más comercial aunque no exento de calidad donde destacan realizadores como Park Chan-wook, Bong Joon-Ho o Kim Ji-woon.
De este último realizador he visto su ultima película El bueno, el malo y el raro del 2008, una especie de Western asiático inspirado en la gran obra del italiano Sergio Leone El bueno, el feo y el malo de 1966.
La cinta nos cuenta las andanzas de tres personajes antagónicos en busca de un tesoro enterrado en la Manchuria de los años 30. No solo ellos van detrás de él, sino que bandas de forajidos y el ejército japonés se interpondrán en su búsqueda. La película de Kim Ji-woon cuenta con tres de las mas cotizadas estrellas del cine coreano en los papeles protagonistas como son Lee Byung-hun en el papel del malo, Song Kang-ho en el del raro y Jung Woo-sung en el del bueno. Se trata de una historia trepidante, llena de escenas de acción magistralmente realizadas, con unos efectos especiales a la antigua usanza, osea sin trucos de ordenador. La fotografía está tratada de forma luminosa, sacando todo el partido a los espectaculares paisajes desérticos de Manchuria. El guión, aun siendo lo más flojo del filme, no desentona con el resto aunque en determinados momentos resulte algo complicado de seguir.
Se trata de una buena película de entretenimiento, con una gran calidad en su realización y que demuestra que el cine coreano sigue en plena forma y llegando con facilidad a los gustos del público.

The Good The Bad The Weird (2008) Final Trailer